Mira M. Yang, Ensemble

Mira M. Yang développe une pratique qui explore les processus de transferts culturels, la mémoire et l’appartenance depuis une perspective diasporique. Son travail prend pour point de départ une dimension performative ou scénique, qui recouvre également l’idée de transmission. Donner corps à une œuvre signifie, en ce sens, propager des signaux, des énergies et des affects. C’est souvent le corps en action qui fait office d’intermédiaire, bien que, plus récemment, M. Yang utilise des sculptures animées composées d’éléments industriels ou mécaniques, en tant que corps de substitution palliant l’absence physique de corps humains.

Pour l’exposition Ensemble, déployée en deux chapitres à la Kunsthalle Friart Fribourg et à la Fondation Pernod Ricard à Paris, M. Yang conçoit de nouveaux assemblages sonores d’envergure ainsi qu’un film, le tout présenté dans des configurations distinctes dans chacun des deux lieux.

La notion de transmission implique le risque d’une perturbation, d’une interruption ou d’un bruit de fond dans lequel le signal se dilue jusqu’à l’inaudible. Le travail de M. Yang rend visibles les moments d’absence et d’amnésie historiques pour leur prêter une forme qui, sans pouvoir restaurer ce qui a été perdu, y met autre chose à la place. Dans Ensemble émergent ainsi différents corps de substitution au sein desquels l’héritage culturel résonne sous forme d’échos, de traces et de sédiments. Les codifications et les images latentes qui continuent d’y opérer, parfois non résolues, imposent ainsi un regard nouveau et nuancé.

Le cœur de l’exposition s’articule autour d’une exploration de l’héritage artistique de la danseuse et chanteuse Choi Seung-Hee (1911–1969), première interprète de la Corée coloniale à se produire en Europe. Ses chorégraphies entremêlaient les influences des traditions coréennes, chinoises, indiennes et modernistes européennes, propageant ainsi une forme de mouvement hybride et non-conformiste. Son héritage est non seulement documenté de manière très lacunaire, mais se trouve également déformé par les traces violentes du colonialisme, de l’impérialisme et du socialisme. M. Yang ne prétend pas aborder cette histoire complexe sous l’angle d’une objectivité: iel choisit plutôt de le soumettre à une ré-imagination et à une transformation. Cette démarche prend acte du fait que ce qui est perdu ne peut pas simplement être reconstruit, mais doit être réinventé depuis le présent. Dans Ensemble, cela se traduit par différentes modalités d’enregistrement, de traduction et de mise en partition du mouvement.

Le film Transmissions, par exemple, propose une traduction fictionnalisée et une réactivation des chorégraphies de Choi Seung-Hee à partir de transmissions parcellaires – les parties manquantes ou inconnues étant comblées par de nouvelles interprétations. En toile de fond, M. Yang investit des lieux parisiens historiquement liés aux représentations de Choi Seung-Hee dans les années 1930, tels que le Jardin d’agronomie tropicale René-Dumont, le Musée Guimet, le Théâtre national de Chaillot et un restaurant-karaoké du 13e arrondissement. Presque un siècle plus tard, Choi Seung-Hee réapparaît transfigurée dans le corps de la danseuse Paula Pau. Par la manière dont la caméra révèle, dissimule ou rend ce corps (il)lisible, l’œuvre explore avec sensibilité les mécanismes de l’objectivation. Le corps n’est ici pas un simple support s’effaçant derrière la partition: il s’impose avec sa propre logique, son opacité et son irréductibilité. De là se dégage l’interrogation éthique récurrente qui sert de fil rouge à toute l’exposition: jusqu’où peuvent aller le contrôle et l’autodétermination ? Quels vecteurs dictent le mouvement: une structure extérieure ou une dynamique interne ?

L’exploration des partitions et des protocoles d’action se prolonge dans un assemblage sonore qui remplit l’espace. Elle réunit différents composants générateurs de bruits et de sons qui forment, dans leur ensemble, un corps sonore fragmenté et atomisé. L’absence donne à nouveau l’impulsion de l’œuvre: ni la voix de Choi Seung-Hee, ni les accompagnements musicaux de ses performances n’ont été documentés intégralement. À travers la notation Laban, un système moderniste de notation graphique du mouvement développé par Rudolf von Laban, les chorégraphies de Choi Seung-Hee sont traduites en signaux codés numériquement, puis activés par les machines pour faire résonner des sons qui respirent, vibrent, frémissent, résonnent et grondent.

Par ses réflexions sur le contrôle et l’agentivité, l’exposition prend une dimension supplémentaire à travers la présentation d’une série de marionnettes historiques. Issues de la collection du Musée suisse de la marionnette à Fribourg et de provenances diverses, elles sont disposées dans des vitrines et des caisses capitonnées avec leurs accessoires, comme si elles attendaient d’être activées. Leur passivité contraste avec l’animation fébrile des machines, qui interprètent la partition sans relâche jusqu’à ce que celle-ci leur impose un temps d’arrêt.

L’exposition est accompagnée d’un riche programme d’événements, dont une conversation entre l’artiste Mira M. Yang et la curatrice Filipa Ramos (10 octobre 2026), ainsi qu’un concert de l’artiste et producteur·rice·x sonore sud-coréen·ne·x bela (7 novembre 2026).

En co-production avec la Fondation Pernod Ricard, Paris, où un deuxième chapitre de l’exposition sera présentée du 24 novembre 2026 au 6 février 2027.

Curation: Kathrin Bentele