Henrik Olesen: Copies of real-life objects, tools and food

MitCopies of real-life objects, tools and foodpräsentiert die Kunsthalle Zürich die erste Einzelausstellung von Henrik Olesen (geb. 1967, Esbjerg, Dänemark) in Zürich seit knapp zwei Jahrzehnten. Anhand zahlreicher Neuproduktionen sowie einer Auswahl bereits bestehender Arbeiten gibt die Ausstellung Einblick in die vielschichtige Arbeitsweise des Künstlers und seine langjährige Auseinandersetzung mit normativen Ordnungs- und Kategorisierungssystemen.

Seit Mitte der 1990er-Jahre setzt sich Henrik Olesen in seinen Arbeiten mit Fragen von Identität, Sprache, Körper und deren Konstruktion auseinander, um Machtverhältnisse und soziale Normen sichtbar zu machen. Dabei greift er auf eine Vielzahl visueller und materieller Quellen zurück – von spezifischen Kunstwerken und Formensprachen bis hin zu einfachen Materialien und Alltagsgegenständen – und integriert ein breites Spektrum an (kunst-)historischen, subkulturellen, politischen und literarischen Referenzen in sein Werk.

Für die Ausstellung in der Kunsthalle Zürich setzt Olesen sein anhaltendes Interesse an Nahrungsketten sowie Prozessen von Produktion, Konsum und Verdauung fort. Exemplarisch hierfür stehen zu Beginn der Ausstellung – und an der Spitze der Nahrungskette – die beiden aus Gips, Jute, Holz und Maschendraht gefertigten RaubtiereCrocodile, 2023, undThe earliest crocodilian, circa 95 million years ago, 2024, die Assoziationen an eine dem Menschen vorausgehende Zeit hervorrufen. Bezugnehmend auf unterschiedliche Momente ihrer langen Evolutionsgeschichte – Urformen der Krokodile existieren bereits seit rund 200 Millionen Jahren auf der Erde – verweisen die Arbeiten auf ihre ambivalente Rolle innerhalb der Nahrungskette: bedrohlich und bedroht zugleich, als Jäger, aber auch als Teil eines grösseren ökologischen Gefüges, in dem sie selbst zur Beute werden können.

Die raumgreifende, eigens für die Ausstellung entwickelte InstallationCopies of real-life objects, tools and food(2026) setztsich aus unterschiedlich hohen Tischen und weissen Podesten zusammen, auf denen eine Vielzahl klein- bis mittelformatiger Objekte arrangiert wurde. Abgüsse von Lebensmitteln wie Eier, Suppenhühner, Äpfel, Fische, Konservendosen und Milchpackungen werden neben Replikas von Arbeitsutensilien wie Pinsel präsentiert. Zum Teil in transparente Plastiktüten verpackt und an die glatten Präsentationsformen in Geschäften oder Warenhäusern angelehnt, erinnern die Arrangements unweigerlich an Stillleben – ein Genre, das die Kunstgeschichte von frühen Wandmalereien in Pompeji, über die holländische Malerei des 17. Jahrhunderts bis hin zur Kunst der Moderne und Gegenwart durchläuft, und dabei über Jahrhunderte hinweg Vorstellungen von Zeit herausfordert und auflöst. Gleichzeitig überlagern Olesens Arbeiten unterschiedliche Zeitkategorien, indem klassische Stillleben-Motive wie Spargel und Zitronen (Édouard Manet), Fische (Gustave Courbet) oder Hühner (Francisco de Goya) auf alltägliche Objekte gegenwärtiger Konsumkultur wie Laptops und Tastaturen treffen.

In unterschiedliche Materialien wie Gips, Silikon, Acryl- und Epoxidharz übersetzt, sind die Abgüsse der Installation zum Teil bemalt, zum Teil roh belassen. Dieser Rhythmus wird vereinzelt durch mit Farbe bearbeitete Readymades unterbrochen, wodurch Kategorien von Original und Kopie, Abbild und Objekt zunehmend aufgelöst werden. Form erscheint nicht mehr als etwas Beständiges oder Eindeutiges, sondern als etwas, das durch Wiederholung, Reproduktion und materielle Transformation immer wieder verdaut und neu hervorgebracht wird.

Die im Obergeschoss der Kunsthalle Zürich präsentierten Arbeiten kehren die Logik des unteren Stockwerks um. Bleiben die weissen Wände des Ausstellungsraumes im Untergeschoss leer und unbespielt, entfaltet sich die Ausstellung im oberen Geschoss um eine leere Raummitte, die von knapp fünfundzwanzig handgefertigten Vitrinen aus Glas gesäumt wird. Werden im unteren Geschoss derAusstellung Produktions- und Konsumprozesse sowie die Plastizität von Objekten untersucht, rückt hier die vermeintliche Neutralität von Präsentationsformen und Displays in den Fokus.

Anstatt Objekte oder Artefakte zu bewahren, erscheinen die Vitrinen – mit wenigen Ausnahmen – jedoch weitgehend leer. Auf schweren Winkelträgern an den Wänden der Kunsthalle Zürich befestigt, rahmen sie nichts als die Luft in ihrem Inneren, die weisse Wand hinter ihnen sowie ihre eigene Hängung, und werden so zu Bildern ihrer Selbst. Mit ihren abgegriffenen Oberflächen, Fingerabdrücken, Kratzern und unsauberen Zusammenfügungen fungieren sie nicht mehr als blosse Behälter, sondern werden durch Produktionsspuren und Beschriftungen auf Post-its und Klebebändern selbst zu Trägern von Informationen über ihre eigene Herstellung.

In ihrer seriellen Logik erinnern die transparenten Glaskörper an die sterile Formensprache der Minimal Art. Während einige der Objekte mit Titeln wieUntitled 11, 2021, oderAs yet untitled 4, 2026, den nüchternen Benennungskonventionen der 1960er- und 1970er-Jahre folgen, eröffnen Titel wieDepression, 2026,Dispossession 1, 2018, oderMadhouse, 2019, ein subjektives Bedeutungsfeld; dieses beschreibt körperliche oder psychologische Zustände, die üblicherweise aus dem Vokabular der Minimal Art ausgespart wurden.

Dienen Olesens Arbeiten im Obergeschoss der Ausstellung als Projektionsflächen für körperliche und affektive Einschreibungen, unterlaufen die in unterschiedlichen Farben und Materialien reproduzierten Objekte im Untergeschoss fortwährend stabile Kategorien und Zuschreibungen. Gemeinsam betrachtet, entwirftCopies of real-life objects, tools and foodein offenes Gefüge von Assoziationen und Beziehungen, in dem Körper und Dinge ineinander übergehen und Bedeutungen sich fortlaufend formieren, verschieben – oder in sich zusammenfallen.

Kuratiert von Fanny Hauser.

Begleitend zur Ausstellung erscheint im Winter 2026 einemonografische, von Teo Schifferli gestaltete Publikation mit Beiträgen von Annie Ochmanek und Dieter Roelstraete bei DISTANZ.

Die Ausstellung wird gefördert durch der New Carlsberg Foundation. Mit besonderem Dank an Galerie Buchholz.

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